À l’image des serpents, les araignées sont des animaux mal-aimés. Leur simple vue provoque la plupart du temps la peur, et peut même engendrer une terrible phobie. Et pourtant elles sont très utiles et participent à la richesse de notre biodiversité.
Destinée au grand public, cette exposition se donne pour objectif de rétablir la vérité sur nos colocataires à huit pattes. Des panneaux explicatifs, de nombreuses manipulations interactives, ainsi qu’une vingtaine de terrariums vous permettront de mieux connaître les araignées.
Ouvert tous les jours, sauf le mardi De 9 h 00 à 12 h 45 et de 14 h 00 à 18 h 00
Fermé le 1 er janvier, 1 er mai, 14 juillet, 1 er et 11 novembre, 25 décembre
Coup de projecteur sur un pan méconnu de la carrière de François Boucher (1703-1770), peintre majeur du 18ᵉ siècle au service de Louis XV et de Madame de Pompadour : sa passion pour le théâtre et l’opéra !
Point de départ de l’exposition et restaurés à cette occasion : 4 tableaux du musée de Tours, chefs-d’œuvre de l’art rocaille, témoignent de l’engouement de l’artiste pour les arts de la scène.
Concevant de nombreux décors et costumes pour l’Opéra de Paris et l’Opéra-Comique, François Boucher fut notamment au service de la favorite de Louis XV, la marquise de Pompadour, admirée pour ses talents de chanteuse, danseuse et comédienne. Pour elle, le peintre réalisa trois des quatre tableaux du musée de Tours, en souvenir de ses apparitions à Versailles en 1749 dans les opéras Issé et Silvie.
La série consacrée aux aventures de la nymphe Sylvie et du berger Aminte, séparée entre le musée de Tours et la Banque de France, sera rassemblée pour la première fois depuis la fin du 18e siècle, créant ainsi l’événement !
Déployés autour des tableaux du musée, dessins, estampes, tapisseries et objets d’art décoratifs s’accompagneront d’œuvres d’art moderne et contemporain, de Berthe Morisot à Cindy Sherman. La contribution du créateur de mode Sami Nouri révélera également comment Boucher et le rococo ont inspiré les artistes jusqu’au 21ᵉ siècle.
Rosa Barba est née en 1972, à Agrigente en Italie.
Elle utilise le film comme matière première pour explorer le paysage, la mémoire et différentes formes de temporalités. En créant des fictions, elle interroge l’Histoire et en propose de nouvelles interprétations, souvent poétiques et énigmatiques. Dans ses installations, l’artiste a recours au film 16 ou 35mm comme médium ou pour les qualités sculpturales et matérielles de la pellicule, des projecteurs ou des faisceaux lumineux qui en émanent. Elle en analyse les potentialités, bouleversant l’expérience cinématographique traditionnelle et remettant en question la notion de temps linéaire.
Elle développe une approche sculpturale du médium du film. Elle crée des installations et des interventions in situ qui soulignent la façon dont le film articule l’espace, instaurant une nouvelle relation entre l’œuvre et le spectateur. Les questions de la composition, la physicalité de la forme et la plasticité jouent un rôle important pour l’artiste alors qu’elle examine par ailleurs l’industrie du cinéma et sa posture vis-à-vis du geste, du genre, de l’information et des documents. Ses œuvres cinématographiques se situent entre le documentaire expérimental et le récit de fiction. Ils se concentrent souvent sur les paysages naturels et les interventions humaines dans l’environnement et explorent la relation entre les archives historiques, les anecdotes personnelles et la représentation filmique, créant des espaces de mémoire et d’incertitude.
ouvert du mardi au dimanche de 14 h 00 à 18 h 00
fermeture exceptionnelle les 1 er et 11 novembre, 25 décembre et 1 er janvier 2023
Nental au physique de « Géant », est né d’un père Martiniquais et d’une mère Normande c’est un artiste doté de convictions, d’une grande tendresse, d’humilité et de sagesse.
Son œuvre ouvre sur la Vie. Pascal Quignard écrit « La Vie de chacun d’entre nous n’est pas une tentative d’aimer. Elle est l’unique essai » et son œuvre en témoigne.
Aimé Césaire poète martiniquais écrit: « C’est quoi une vie d’homme ? C’est le combat de l’ombre et de la lumière. C’est une lutte entre l’espoir et le désespoir, entre la lucidité et la ferveur… Je suis du côté de l’espérance mais d’une espérance conquise, lucide, hors de toute naïveté »
Nental, laisse des empreintes paradoxales à son interêt majeur à l’humain ou son art de peintre collagiste, montre à la fois la puissance de l’homme et son impuissance.
Son travail d’artiste est faite de débris plus ou moins recollés de son individualité éclatée, d’un Moi en lambeaux, et pourtant son œuvre reste une ode à l’espoir et à la Liberté.
Parcourir son travail, c’est se laisser conduire dans les méandres de la vie, avec ses désirs et pulsions, ses versants de clairs et d’obscurs, et nous invite à la réflexion des maux de la Vie, et donc ce parcours est un guide pour nos consciences.
Nental, est en cela un artiste lanceur d’alerte, où l’espoir subsiste si l’on veut bien ouvrir les yeux.
Son regard, nous invite à ouvrir nos yeux sur le monde et nous mêmes.
Sa création nous amène d’espoir en désespoir, d’échec en échec et cependant nous ouvre sur les limites du monde et les nôtres.
Regarder ses tableaux, c’est entretenir l’étoile de la liberté, car son travail outre d’être une œuvre de création, est aussi une œuvre de Mémoire, d’éveil de nos consciences, ou l’homme et la femme sont centraux car toujours unique.
Aimé Césaire écrivait « Une civilisation qui s’avère incapable de résoudre le problème que suscite son fonctionnement est une civilisation décadente. Une civilisation qui choisit de fermer les yeux à ses problèmes les plus cruciaux est une civilisation atteinte .Une civilisation qui ruse avec ses principes est une civilisation moribonde»
Alors regardez et « vivez « avec les tableaux de Nental, car il peut réconcilier l’irréconciliable.
Jean Yves LE FOURN
Ainsi, dans le cadre du projet d’ouverture sur l’extérieur de la juridiction, le Tribunal judiciaire de Tours accueille désormais dans ses murs des expositions temporaires. Après trois premières expositions réussies, le choix s’est porté pour la 4 ème exposition sur des œuvres réalisées par Mme Elisabeth DAVEAU mélangeant photographies et peintures.
ouvert du mardi au dimanche de 14 h 00 à 18 h 00
fermeture exceptionnelle les 1 er et 11 novembre, 25 décembre et 1 er janvier 2023
Au-delà des apparences
Sous la neige blanche, étale, le souffle chaud du noir Etna… Si l’évidence de la beauté du monde s’affiche dans les photographies épurées de Bernard Descamps, on perçoit également chez lui la volonté d’en donner à voir la complexité et les ambivalences par l’usage d’une forme photographique qui fait la part belle au fragment, puise dans la philosophie orientale de la non-dualité la force d’un regard libre sur le monde et élabore une musique visuelle à même de s’adapter aux élans lyriques de l’âme.
Cette constante tentative de remise en cause de la chose vue va de pair avec un regard plus voyant que voyeur à même de dévoiler les mystères du monde. À cet égard, les photographies de Bernard Descamps possèdent une forme de qualité lyrique. Le photographe revendique d’ailleurs voyager aussi bien dans le monde qu’en lui-même.
Bernard Descamps plutôt que de figer l’imaginaire dans une admiration béate du sublime et de l’ailleurs ouvre des portes dérobées et fait cohabiter harmonieusement des cultures très éloignées les unes les autres, convoquées pour lui permettre de formuler ses émotions. On repère alors chez lui un regard qui vibre dans sa découverte du monde lorsqu’il fait un arrêt sur image avant de reprendre le fil de sa vie et de son voyage.
Héloïse Conésa
Ouvert du vendredi au dimanche de 15 h 00 à 18 h 30
Renar est né en 1987 à Tours. Après avoir obtenu son diplôme d’infographiste en 2010, il se met à peindre des portraits à l’acrylique noire et développe une technique atypique qui deviendra sa pâte.
Il utilise des pinceaux usés afin d’appliquer la peinture de manière plus “accidentelle”, ainsi qu’une lame de cutter pour gratter l’acrylique et créer davantage de détails et de matières. L’objectif : tendre vers une sensation de photo noir et blanc, avec un travail important sur les nuances d’ombres et de lumières, tout en conservant l’aspect brut de sa technique de peinture.
Après une sélection de photographies retravaillées pour avoir du noir et blanc et plus ou moins de contraste, il part de sa grande feuille de Canson blanc de 110 x 75 cm pour croquer des personnalités célèbres, des acteurs, humoristes, sportifs et chanteurs : Coluche, Eddie Mitchell, Benoît Poelvoorde, Serge Gainsbourg, Georges Brassens ou encore Michael Jordan apparaissent au naturel sous le pinceau agile de l’artiste.
Les mercredis et les samedis de 14 h 00 à 17 h 00
Née au sud de la Russie en 1988, Maria Kuprina Carle dés son enfance était passionnée par l’art. Elle termine l’école des beaux arts des enfants en 2003 à l’âge de 15 ans à Sotchi. Plus tard elle continue ses études à l’école Boulle sur Paris spécialisé en bijouterie/joaillerie, où elle apprend le dessin technique et le dessin de bijoux à la gouache.
En 2020 Maria reprend la peinture à l’aquarelle et décide de consacrer sa vie et son temps à sa passion. Cette jeune artiste prometteuse utilise exclusivement l’aquarelle pour partager ses œuvres réalistes et son grand amour de la nature, qui est pour elle une source d’inspiration inépuisable.
Heures d’ouverture de la médiathèque
Exposition photographique d’ Emeric Roulic
Des paysages féériques, une nature à perte de vue où se cache une faune riche, des chiens de traineaux dans leur pur élément, et en prime, les incroyables aurores boréales !
ouvert du mardi au dimanche de 14 h 00 à 18 h 00
fermeture exceptionnelle les 1 er et 11 novembre, 25 décembre et 1 er janvier 2023
En juin 1907, la Société Lumière commercialise le premier procédé industriel de photographie couleur : l’Autochrome. Attendu depuis l’invention de la photographie en 1839, ce progrès provoque une révolution.
Le grand photographe américain Edward Steichen (1879-1973) écrivait à son propos qu’il s’agissait du « plus beau procédé que la photographie nous ait jamais donné pour traduire la nature ». L’engouement pour la nouvelle technique fut en effet à la fois intense et relativement bref : il dura un peu plus de deux décennies, le procédé tombant progressivement en désuétude dans les années 1920 et 1930. L’autochrome traversa par la suite une longue période d’oubli. Trop fragile, trop difficile à exposer, non reproductible, elle fut pendant longtemps l’un des grands délaissés de la photographie, telle une branche morte qui semblait n’avoir donné que de trop rares fruits.
De cet abandon, l’autochrome a été tirée depuis deux décennies par quelques historiens et collectionneurs qui, à contre-courant, ont su en apprécier la finesse, la sensualité, l’étrangeté.
L’exposition 1,2,3 Couleur ! L’autochrome exposée rassemble 176 œuvres issues de deux collections, dont une quarantaine de plaques originales. La diversité des autochromes présentées illustre la très large utilisation de ce support au sein de la société, des photographes anonymes ou de renom au service photographique des armées.