Ouverture les vendredis, samedis et dimanches de 14 h 00 à 19 h 00 sur rendez-vous.
L’idée de nature dans l’art contemporain traverse toutes les générations, les pays et les genres ou styles artistiques. D’une approche formelle et humaniste, qui relève du mythe de la forêt et des grands arbres, la lithographie du britannique Henry Moore intitulée « La Forêt » date de 1953. L’affiche « Diffesa della natura » d’une performance de l’allemand Joseph Beuys en Italie en 1984 témoigne, elle, de la conscience écologique de l’artiste conceptuel, grande figure « philosophique » de l’engagement politique de cette époque.
Entre ces deux figures marquantes de l’art de la seconde moitié du XXème siècle, cette période est riche d’engagements, de références et de pratiques de la part de nombreux artistes, peintres, sculpteurs et photographes, qui produisent dans leur atelier, sur « le motif », ou directement dans le paysage, voire avec les matériaux de/et dans la nature: Dominique Bailly, Marc Couturier, Nils-Udo.
Les artistes historiques des années 1970, du Land Art comme l’américain Peter Hutchinson, ou de l’Arte Povera comme l’italien Giuseppe Penone, sont des références et des intellectuels incontournables de la prise de conscience de notre environnement et de la place de l’homme dans celui-ci.
Tous ces artistes interrogent notre société contemporaine, industrielle et technologique avec ses errements, et replacent l’humain dans son contexte et le rapport physique avec le milieu naturel. Artistes et œuvres exposées:
- Dominique Bailly : « L’arbre qui court », sculpture, 2013. Pêcher et acrylique. « Empreinte de hêtre au goudron » sur papier, 1989.
- Joseph Beuys: « Diffesa Della Natura », Bolognano, Italie. 13 maggio 1984.
- Marc Couturier: « Feuille d’ocuba », boite et photographie, 1991.
- Henry Moore: « La Forêt », lithographie, 1953.
- Giuseppe Penone: « Dessin sur bois », 1982.
- Nils-Udo: « Radeau de mai », photographie et texte, 1980.
- Peter Hutchinson : « France-Canada », collage de photographies et texte, 1987/1990.
Ouverture les vendredis, samedis et dimanches de 14 h 00 à 19 h 00 sur rendez-vous.
L’approche réflexive signifiant/signifié chère aux sémiologues de nos années 1970, trouve un écho dans cette exposition qui illustre le propos en des termes physiques et matériels avec des objets à valeur d’usage, des œuvres d’artistes et des livres/objets. Les contenants, au sens pratique de leur usage, sont identifiables dans leur fonction : la marmite en pierre d’un village d’Himalaya, une gourde en peau de chèvre d’Ethiopie, un bol en calebasse Zoulou d’Afrique du Sud, des nasses à poisson du Lac Tanganyika…pour prendre des exemples exotiques, qui affirment des savoir-faire artisanaux et ancestraux. D’autres contenants sont des prothèses utiles pour produire des textes ou fabriquer des chaussures, les encriers émaillés marocains, la desserte en fonte du cordonnier, ou pour cueillir le thé au Laos avec ce léger panier tressé qui s’ajustait au corps. A l’entrée de l’exposition un reliquaire Yoruba du Nigéria, en bois polychrome, accueille le visiteur; cet objet figurait sur un autel de village, contenant et contenu se conjuguent ainsi dans cet objet cultuel et culturel de la première moitié du XXème siècle. Les œuvres contemporaines d’Hervé Le Nost, un hommage à François Rabelais, le tableau de pêche d’Henri Guitton, le contenu moulé d’une bouteille de champagne de Richard Fauguet et Philippe Poupet, cohabitent avec la cafetière Conica d’Aldo Rossi ou le cendrier anonyme et géométrique en faïence de Desvres .
Sous vitrine, des boites à contenus, livres/objet divers d’artistes contemporains, dont la réplique de la célèbre valise de Marcel Duchamp produite par Mathieu Mercier. L’idée du musée portatif est illustrée avec les coffrets Artists & Photographs, réunissant des œuvres multiples de petit format des artistes américains de l’avant-garde de 1970, Reconstitution de Christian Boltanski, Method de Marina Abramovic ou A Circus de John Cage. Quant à l’éprouvette Rose for direct democracy de Joseph Beuys, elle illustre la conscience d’un idéal politique de l’artiste, et fait écho au reliquaire sacré Yoruba.
Ouverture les vendredis, samedis et dimanches de 14 h 00 à 19 h 00 sur rendez-vous.
Comme le cercle, le carré est « une forme parfaite d’équilibre ». Curieusement son usage dans l’histoire de l’art est restreint. Il faut attendre le 20ème siècle pour voir les artistes s’approprier ce « cadre strict », en assumer la contrainte formelle et sortir des figures imposées « paysage et portrait », horizontal et vertical, qui identifiaient les formats des châssis et tableaux des marchands de couleurs. Une telle évaluation et l’académisme engendré par le point de vue vertical ou horizontal du tableau sera remis en question.
L’exposition Tout au carré, se joue aussi de l’expression populaire « c’est carré » ou « au carré », synonyme de mise en ordre. De fait, il s’agit pour les artistes peintres, photographes, plus rarement pour les sculpteurs et les cinéastes expérimentaux, d’assumer cette contrainte formelle du carré pour concentrer leur sujet, sans interprétation autre que leur propre proposition plastique ou visuelle;
Elle réunit les œuvres de trente artistes :
- Peintures, dessins, collages d’André-Pierre Arnal, Thierry-Loïc Boussard, Philippe Boutibonnes, Daniel Busto, Richard Fauguet, Gérard Goblet, Jacques Halbert, François Morellet, Paulette Nef, Jean-Luc Parant, Edda Renouf, Marcel Robelin, Antonio Semeraro et Catherine Viollet.
- Assemblages et collages de Catherine Daval, Henri Guitton, Peter Hutchinson, Laure Prouvost.
- Sculpture et céramique de Didier Marcel, Anne Martini.
- Photographies, estampes ou multiples de Diane Arbus, Bernard Descamps, Raoul Hausmann, Alain Kirili, Marie-Jo Lafontaine, Dominique Marchès, Lee Miller, Giulio Paolini, Regina Virserius, Andy Warhol.
Toutes ces œuvres, réalisées entre 1931 et 2023, sont au format carré et de dimensions variables.